PICTOGRAPHS PAINTINGS, GOTTLIEB’S WORLD IN THE FORTIES

 

When Adolph Gottlieb (1903-1974), in 1941, promoted a cycle of works – the Pictographs – that would have covered the entire decade, he was looking for a special “writing”, new and archaic at the same time.  The term “pictograph”, in fact, implies a reference to writing, but in its primitive form, ideographic one, without alphabetical characters.                                                                                                  It was a research that compared Gottlieb to his (more famous) friends, deepening its ties with the American autochthonous cultures,  used to express themselves through the cave painting and the rock engraving (pictographs and petroglyphs). Such passion towards the American-Indians, originated by conceiving primitivism as a mode to express one’s feelings on the contemporary human being condition, as prisoner of the World War II. An ideal bridge tied to the primitive man struggling for survival, and pervaded by the tragic sense of existence, to be dismayed as contemporary feelings.
That’s why the Pictographs are animated by simple, basic figures. Gottlieb speaks about a possible total vision of his paintings: the elements represented are known objects: hands, noses, feet, eyes, etc. but the usual composition comes out repainted through the research of ambiguous associations.                The latter is a surrealistic reminiscence, but, at the same time, aims to look at the world in an ‘original’ way: a return to the basis of sight.                                          In Oedipus, as well as in Premonition of Evil, for example, the anatomic image is disarticulated through symbolic graphic captions.                                                        The flat surface of the Pictographs allows statements to the sequences of images, hence the activation of a component of Surrealistic automatism and inviting, as consequence, the spectator to his mental consideration by the attribution of a meaning.                                                                                                               In other words, as already highlighted by art historian Laurence Alloway (1926-1990), Gottlieb does not premeditate the final outcome, but arranges images into frames as to remind ancient tablets, as well frescoes scenes, so popular in XIV century churches, to create a variety of references and possible readings.                                                                                                                                                   He creates all-over images without a single focal points, but many. The observer is, therefore, invited to participate intellectually to its meaning and, even more, share the symbols with the artist. In Gottlieb is therefore present the archaistic idea that the artist can speak in the name of the community.                                      As stated by Barnett Newman, Gottlieb, in fact, thinks “The first man was an artist”, that is to say: the first act, the first glimpse at the world is aesthetic.        To the figurative art is given the task to re-found the art language from the origins. For these artists abstraction amounts to start afresh, on renewed basis, through an activity that combines: the unconscious, the primitivism, the archaic/social role of the artist in the collectivity.
Just from this cultural complexity Gottlieb, Newman, Rothko, Pollock would have made ​​the next move for a re-foundation of painting.                                             “The role of the artist has always been that of image-maker. Different times require different images. Today, when our aspirations have been reduced to a desperate attempt to escape from evil, and times are out of joint, our obsessive, subterranean and pictographic images are the expression of a neurosis which is reality. To my mind, so-called abstraction is not abstraction at all. On the contrary, it is the realism of our time.” (1)

 (1) Adolph Gottlieb, The Ideas of Art, Tiger’s Eye, Vol. 1, nr 2, December 1947, p. 43)

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ADOLPH GOTTLIEB E I PITTOGRAMMI

Quando, nel 1941, Adolph Gottlieb (1903-1974) diede vita ad un ciclo di opere che avrebbe coperto tutti gli anni Quaranta – i Pittogrammi – era alla ricerca di una “scrittura” nuova e arcaica al tempo stesso.                                                                  Il termine “pittogramma”, infatti, implicava un richiamo alla scrittura, ma nella sua forma primitiva, ideogrammatica, quindi priva di carattere alfabetico.        Una ricerca che, al pari dei suoi (più famosi) amici, conduceva Gottlieb ad approfondire un legame con le culture autoctone americane, solite esprimersi attraverso l’arte rupestre (pittogrammi e petroglifi).                                                Questa passione per gli indiani d’America nasceva dal concepire il primitivismo come mezzo per esprimere il proprio sentire sulla condizione dell’uomo contemporaneo, prigioniero degli orrori della guerra mondiale. Un ponte ideale legava l’uomo primitivo, in lotta per la sopravvivenza e pervaso di senso tragico dell’esistenza, al senso di smarrimento tipicamente novecentesco.                       Ecco anche perché i Pittogrammi si popolano di figure “semplici”, basilari.                                                                                                                                                     Gottlieb parla di una possibile visione totale dei suoi quadri: gli elementi raffigurati sono oggetti conosciuti: mano, naso, piede, occhio, ma l’associazione consueta viene ridisegnata attraverso la ricerca di associazioni ambigue. Quest’ultima, è sì una reminiscenza surrealista, ma, al tempo stesso, ambisce a un “originario” modo di vedere il mondo: un ritorno all’origine del vedere.         In Edipo, così come in Premonizione del male, per citare alcuni esempi,  l’immagine anatomica è disarticolata attraverso sigle grafiche simboliche.              La superficie piatta dei Pittogrammi si presta all’enunciazione in sequenza di immagini, e perciò all’attivazione di una componente di automatismo surrealista, invitando, di conseguenza, lo spettatore ad intervenire mentalmente per attribuirvi un significato.                                                                                                      In altre parole, come già evidenziato dallo studioso Laurence Alloway (1926-1990), Gottlieb non premedita l’esito finale, ma dispone liberamente le immagini in riquadri per creare una molteplicità di riferimenti e di letture possibili. Riquadri che ricordino antiche tavolette, e, perchè no, le pareti affrescate con le “istorie”, così in voga nelle chiese trecentesche.                                                             Egli costruisce un’immagine all over in cui non ci sia un solo punto focale, ma molteplici. Lo spettatore è così chiamato a partecipare, intellettualmente, alla definizione di un significato e, inoltre, a condividere il simbolo con l’artista. In Gottlieb è quindi presente l’idea arcaistica che l’artista possa parlare per la comunità.                                                                                                                                                           Infatti, così come affermato da Barnett Newman, anche per Gottlieb, “Il primo uomo era un artista”: o meglio, il primo atto, il primo sguardo sul mondo è estetico.                                                                                                                                                          All’arte figurativa è affidato un compito fondamentale: rifondare il linguaggio artistico partendo dalle origini. L’astrazione, per lui come per altri artisti coevi, ha pertanto valore di ri-partenza da zero, su basi rinnovate, attraverso un operare in cui si mescolano: l’inconscio, il primitivismo, il ruolo arcaico/sociale dell’artista rispetto alla collettività.     Proprio da questa complessità culturale Gottlieb, Rothko, Newman, Pollock, avrebbero delineato le mosse successive per una rifondazione del fare pittorico.                                                                                  “Il ruolo dell’artista è sempre stato quello di creatore di immagini. Tempi diversi richiedono immagini diverse. Oggi che le nostre aspirazioni si sono ridotte al tentativo disperato di fuggire il male e i tempi sono fuori di sesto, le nostre ossessive, sotterranee  immagini pittografiche sono l’espressione di quella nevrosi che è la realtà. Per me, la cosiddetta astrazione non è affatto astrazione, è il realismo dei nostri tempi”. (1)

(1) Adolph Gottlieb, The Ideas of Art, Tiger’s Eye, Vol. 1, nr 2, December 1947, p. 43

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